Die afrikanische und asiatische Musik bot ihm  Inspiration: er lernte den Sitar-Virtuosen und Komponisten Ravi Shankar kennen, dessen Filmmusik zu “Chappaqua” er in westliche Notation übertrug. Und gleichzeitig übertrug er eine starke Affinität zur asiatischen Musik auf sich selbst: Er reiste nach Indien, ins Himalaja-Gebiet und gleich auch noch nach Nordafrika.

Neben Orchesterstücken für ein klassisches Publikum, komponiert er immer wieder für Filme. Und hier zeigte sich, dass seine Musik und die Stimmung, die sie erzeugen kann für eine besondere Art von Film geeignet, dem surrealen fantastischen Film:  Sein Oeuvre umfasst den Clive Barker Klassiker „Candymans Fluch“ (Teil 1 & 2), „Die Truman Show“ , Stephen Kings „Das geheime Fenster“ oder „The Illusionist“, aber auch eine neue Partitur für den Horrorfilm-Klassiker Dracula von 1931. Auch in seinen Nicht-Soundtracks liefern fantastische literarische Werke von Edgar Allan Poe und Franz Kafka oder das Leben des Echnaton Vorlagen für Kompositionen.

Philip Glass wird immer wieder in Verbindung gebracht mit dem Begriff „Minimal Music“, die auch oft als eine postmoderne Musik charakterisiert wird. Diesen Begriff lehnt er selbst aber inzwischen wieder ab, besser trifft es zu, wenn man seine Musik anders beschreibt: repetetive Musik passt etwas besser. Schier unendliche Wiederholungen und Variationen eines Minimums an musikalischen Material entwickeln eine meditative und/oder unheimliche Sogwirkung, die nur gelegentlich von kurzen erläuternden Textpassagen, so genannten “Kneeplays“, unterbrochen wird. Wer das Hauptstück aus der Carmina Burana kennt, hat einen Eindruck.

Auf seiner Homepage kann man viele Stücke von ihm anhören, und das mit einem sehr interessanten Programm oder man nutzt die Glassengine und spielt mit seinen Stücken.

Um sich Stücke von Philip Glass anzuhören, muß man schon bereit sein, sich etwas gedanklich zu öffnen, man muß bereit sein, sich auf neues Terrain zu wagen, aber man wird dann auch belohnt.

Ereaserhead – Ein vor sich dahin verwesender Mann der anscheinend im inneren eines einsamen Planeten lebt und von dort aus über einen Mechanismus unsere Erde steuert, eine völlig entstellte Frau, die ein fröhliches Lied trällert, der Sound (nicht die Musik) klingt unglaublich bedrohlich und fremd und unterstützt die kranke Atmosphäre. Ihr wollt eure Spieler durch Atmosphäre verunsichern, hier seht ihr wie…

Blue Velvet – Ein Blick hinter die weißen Palisadenzäune des amerikanischen Kleinstadt-Traums, eine korrupte Schattenwelt aus Boshaftigkeit, Sadismus und Wahnsinn.

Twin Peaks – Der Mord an der wunderschönen verderbten Highschool-Schönheit, ein Mörder, nicht von dieser Welt und eine wahre Obsession für Kaffee. Eine harmlose bekannte Umgebung wandelt sich in eine Alptraum. Blue Velvet bietet dafür einen obsessiven Killer, Twin Peaks einen übernatürlichen.

Wild at Heart – Elvis, Sex, das Mädchen, welches mit halb herausquillendem Gehirn ihre Handtasche sucht und eine Schlangenlederjacke, als Symbol für Individualität und den Glaubens an die persönliche Freiheit. Als Spielleiter inspiriert man sich ja beizeiten bei klassischen Motiven (hier “Der Zauberer von Oz“) und verfremdet sie durch moderne Bilder und extreme Gewalt. Hier sieht man wie das in Perfektion gelingt…

Lost Highway – Gewalt, Verwirrung und Finsternis; das Verschwimmen von Zeitebenen, der Mystery Man.

Mulholland Drive-  eine angehenden Schauspielerin, die ihr Gedächtnis verloren hat auf der Suche nach ihrer (?) Vergangenheit, dazu zwei schreiende Großeltern.

Inland Empire – Das Remake eines Liebesdramas, das nie fertig gestellt worden ist, weil die beiden Hauptdarsteller während des Drehs ermordet worden sind. Weder der Zuschauer noch die Protagonistin können eine klare Entscheidung treffen, was nun wirklich passiert und was sich in ihrer Psyche abspielt. Drei Stunden in einem abstrakten Geflecht aus Zeichen und subtilen Andeutungen.  Diese drei Filme arbeiten alle mit dem typischen Unknown Armies Thema “Identitätsübernahmen” (z.B. Personomanten, Idolomanten, Avatare) und treibt das Genre des Mindfuck auf die Spitze.  Außerdem nutzt er wieder gekonnt die Tonebene, um beunruhigende Stimmungen und Momente zu erzeugen. Anstrengend aber lohnend!

Vielleicht drückt auch ein Zitat besser aus, wie ein gutes Szenario motiviert wird:

“Das Geheimnis des Lebens ist wunderschön. Aber Geheimnisse muss man aufdecken. Wir sind alle Detektive. Sobald es dunkel wird, fragen wir uns: Was ist da? Was ist dort? Wir suchen nach Hinweisen, bis wir etwas finden. Und langsam öffnet sich die Welt. Mehr und mehr Verständnis. Mehr und mehr Bewusstsein. Jetzt kann man natürlich sagen: Ich liebe Geheimnisse so sehr, ich will sie gar nicht aufdecken!”

Und das von dem Mann, von dem man sagt, dass niemand seine Filme wirklich verstehen kann.

Übringens: der Mann macht auch verstörende Bilder und Musik.

Das Haus der Renuntiation wünscht alles Gute zum Geburtstag!

Welche seiner Romane lassen sich für Unknown Armies (und warum) verwursten?

Der Name der Rose

Oberflächlich gesehen ist es ein Krimi um verschiedene Mordfälle, die dem Muster der Apokalypse zu gehorchen scheinen. Die Themen okkulte Morde und Apokalypse kann man natürlich problemlos eins-zu-eins in ein Szenario übernehmen. Doch Der Name der Rose funktioniert sowohl als Kriminalroman als auch geschichtsphilosophische Abhandlung. Eco erzeugt Stimmung, Bedrohung und Gefühle, ohne diese zu beschreiben. Er gibt Beschreibungen von mittelalterlichen Personen, die auch ein moderner Mensch begreifen kann (so erscheint William von Baskerville nicht umsonst wie eine mittelalterliche Version von Sherlock Holmes). Genauso sollte ein UA-Spielleiter die Charaktere im okkulten Untergrund schildern: einerseits verständlich menschlich packbar, andererseits abgehoben esoterisch, einer unbekannten Kultur oder Logik (ihrer Obsession) folgend.

Zudem ist die Beschreibung der Bibliothek und ihrer Nutzer ein schönes Bild für den eigenen Bibliomanten.

Das Foucaultsche Pendel

Drei Lektoren stoßen auf ein rätselhaftes Dokument aus dem 14. Jahrhundert. Sie vertiefen sich in die Materie und entwickeln zum Spaß einen Verschwörungsplan. Dieser wird ihnen zum Verhängnis. Eingefleischte Verschwörungstheoretiker sollten wirklich die Finger davon lassen. Da besteht die Gefahr, dass sie den ganz eigenen und teilweise parodistischen Humor dieses Buches eventuell missverstehen.

Neben den Templern, deren Gedankengänge man den des wahren Orden des St.Germain gleichsetzen kann, ist die Methode des Branistormings wie sie im Buch beschrieben wird, um jedwede Verschwörung mit Fakten zu belegen eine tolle Methode, um Szenarien zu schreiben.

Die geheimnisvolle Flamme der Königin Loana

Ein klassisches Mindfuck-Szeanrio. Als die Hauptfigur aus dem Koma erwacht, fehlt ein Teil ihrer Erinnerungen. Also begibt sich der Mann auf Spurensuche. Schritt für Schritt findet er – und mit ihm der Leser – seine Vergangenheit wieder.

Ich hörte Leute um mich her reden, ich wollte rufen und ihnen zu verstehen geben, daß ich da war. Ein Sirren war zu hören, als würde ich von einer Foltermaschine mit nadelscharfen Zähnen zerrissen. Ich war in der Strafkolonie. Ich spürte ein Gewicht am Kopf, als hätte man mir die eiserne Maske angelegt. Mir war, als sähe ich hellblaue Lichter.
»Da ist Asymmetrie im Durchmesser der Pupillen.«
Bruchstücke von Gedanken schwirrten mir durch den Kopf, sicher wachte ich gerade auf, aber ich konnte mich nicht bewegen. Wenn ich doch nur wach bleiben könnte. Habe ich wieder geschlafen? Stunden, Tage, Jahrhunderte? (…)

Ich drehte die Augen, und es gelang mir, auch den Kopf zu bewegen: Der Raum war nüchtern und sauber, wenige kleine Möbel, aus Metall und in hellen Farben, ich lag in einem Bett, mit einer Kanüle im rechten Arm. Ein Sonnenstrahl kam durchs Fenster herein, zwischen den Stäben der heruntergezogenen Jalousie, Frühling glänzt ringsum in der Luft und frohlocket über den Feldern. Ich murmelte: »Wir sind… in einer Klinik, und Sie… Sie sind ein Arzt. Ist es mir schlimm ergangen?«

So kann auch ein UA-Szenario beginnen, das mit den Räumen der Renuntiation spielt.

Der Friedhof in Prag

Ecos jüngster Roman ist prall gefüllt mit Details aus dem 19. Jahrhundert. Im Mittelpunkt stehen zynische Fälscher, politische Strippenzieher, dazu gewissenlose Geheimdienste und eine gegen Juden gerichtete Verschwörungssaga, die angebliche Entstehungsgeschichte der „Protokolle der Weisen von Zion“.

Ich bin noch nicht ganz durch damit, aber für mich ist dies der zweite Teil des Foucaultschen Pendels. Auch hier lernt der UA-Enthusiast etwas über die Methoden des verschwörerischen okkulten Untergrunds.

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Als besonderen Wunsch zu seinem Jubeltag, wollen wir hoffen, dass er mit seinen weiteren Versuchen grandio scheitert.

“Ich versuche ja, von Buch zu Buch immer komplizierter zu werden, um die Leser abzuschrecken.” –Umberto Eco

Das Haus der Renunziation wünscht Frohe Weihnachten!

Für Tommy allerdings bedeuten der Kult, das Leben im Rampenlicht, die Signierstunden und Pressekonferenzen auf einschlägigen Conventions nicht nur Stress, er fühlt sich zunehmend auch als Experiment seines Vaters; nur dass er eben den nicht mehr fragen kann, da er vor einigen Jahren spurlos verschwunden ist. An seine Mutter hat Tommy keine Erinnerungen mehr.

Während einer dieser Pressekonferenzen äußert die Reporterin Lizzie Hexam den Verdacht, dass Tommy nicht der leibliche Sohn Wilson Taylors sei, sondern der angenommene Sohn von Flüchtlingen aus dem ehemaligen Jugoslawien, und belegt diese These auch so eindrucksvoll, dass der Hype der Massen in blanken Hass umschlägt und sich der junge Mann auf einmal in der Rolle des Verfolgten wiederfindet, gejagt von den Medien, gehetzt von enttäuschten Fans, die ihn als neuen Messias verehren, und bedroht von Mächten, die wissen, dass Worte Macht bedeuten und die vor nichts zurückschrecken, um ihre dubiosen Ziele zu verfolgen und durchzusetzen.

Sind Daddys Geschichten vielleicht doch mehr wert, als das Papier, auf welchem sie gedruckt wurden? Und was passiert, wenn die Grenze zwischen Realität und Fiktion sich zunehmend auflöst? Ist das Leben am Ende nur ein weiterer böser Traum oder steckt da noch mehr dahinter?

Mike Carey und Peter Gross (das Team von ‘Lucifer’) erzählen hier ein fantasiereiche Geschichte um Schein, Literatur und Wirklichkeit, wobei sie geschickt mehrere Erzähl- und Wahrnehmungsebenen miteinander verflechtet: neben der Haupthandlung um den “realen”, den fast erwachsenen, von den Medien profitierenden und an den Medien leidenden Tommy, stehen sowohl kurze Szenen, in der die im Comic-Kontext fiktive Romanfigur – der kindliche Tommy Talyor – als Protagonist fungiert und die visuell durch eine blassere und farbreduzierte Koloration erkennbar sind, als auch gleichsam kurze Einblendungen aus Chatroom-Dialogen, Website- und TV-Nachrichten.

Doch die authentische Atmosphäre währt nie sonderlich lange, da sie immer wieder durch surreale Geschehnisse und Ereignisse durchbrochen wird, welche neben einigen manchmal recht blutigen Action-Momenten maßgeblich die Spannung befördern, da sie nahelegen, dass hinter der medialen, gesellschaftlichen Realität etwas Unbestimmtes wirkt.

Taylor begibt sich auf eine Reise zu den Hotspots der Literatur, durchschreitet die Karte der Imagination – egal, ob vor dem realarchitektonischen Vorbild für das Wahrheitsministerium über Orwells 1984 sinniert, Shakespeares Globe Theater in London oder in der Villa Diodati, dem Entstehungsort von Frankenstein tief in eine der folgemächtigsten Geschichten der Moderne eintaucht – immer wieder wird die Grenze zwischen Realität und Fiktion und die Überlappung der beiden Sphären der Literatur deutlich markiert. 

Das passt hervorragend zu Toms besonderer Fertigkeit: Er kennt sich extrem gut mit Literatur-Geografie aus. Er hat zwar nicht unbedingt viele Bücher gelesen, kennt aber die (realen) Orte, wo diese spielen. All das hat ihm sein Vater eingebläut und wie es scheint, nicht ohne Hintergedanken.

Und schliesslich gibt es da noch einen vermeintlichen Irren, der als Graf Ambrosio, Tommy Tailors Roman-Erzfeind, durch die Gegend läuft  und den armen Tom terrorisiert. Zuerst als Stalker, dann als Entführer.

Für den Unknown-Armies-Enthusiasten ist dieses Comic ein Quell von Inspiration. Insbesondere Bibliomanten (aber auch Cinemanten) werden ihre Freude daran haben, zu sehen, wie weit ein literarischer Fakt in die Realität einschlagen kann. Zudem bekommt man einen guten Eindruck davon, inwieweit das kollektives Bewußtsein einer großen Gruppe von Menschen auf eine einzelne Person wirkt, die in ihr ihre Ideen verwirklich sehen wollen. Sogesehen kann man Tommy Taylor auch als einen Gottläufer des „jugendlichen Helden“ sehen.

Der erste Band erschien im Juli dieses Jahres auf deutsch bei Panini. Seit dem 15.11 sollte der zweite Band in eurem bevorzugtem Comic-Laden stehen. Bei Vertigo gibt es bereits vier englischsprachige Sammelbände und die Serie wird in monatlichen Abstände fortgeführt. 

Für alle, die Sandman, Luzifer oder die Bücher der Magie mögen, ein klarer Kauftipp…

Es ist erstaunlich, weshalb er überhaupt immer wieder heil aus seinen Fällen herauskommt – dafür sterben andere umso häufiger. Der Tod, in der Gestalt eines traditionellen Skeletts mit Roben oder als die wunderschöne Frau namens Hope, ist in den Comics omnipräsent. Alles andere sind Monster des Tages, die die feste Sitcom-Welt besuchen und wieder verschwinden. Es gibt Zombies, Vampire, Werwölfe, Gespenster, Hexen, Jack the Ripper, Frankenstein, Dr. Jekyll, gerne mal alles auf einmal. Dass übernatürliches Zeug existiert ist gar keine Frage. Die wahren Monster sind jedoch meist die Menschen – und Dylan durchaus einer von ihnen.

Dabei nimmt sich Dylan selbst nicht allzu ernst. Ganz bewusst hat der Autor und Journalist Tiziano Sclavi hier einen Antihelden geschaffen und damit eine Kultfigur des  italienischen fumetti, der vom ersten Jahr (1986) an in Italien (und später anderswo in der Welt) einen unglaublichen Erfolg genießt. Dies ist nicht zuletzt der außergewöhnlichen Schwarzweiß-Düsternis der Zeichnungen sowie dem filmischen Touch zu verdanken, der die komplette Serie durchzieht, wobei letzterer bisweilen in eine ziemliche Filmzitate-Sammlung ausartet, ohne jedoch die Story zu stören oder zu gefährden – oder gar über Gebühr zu ironisieren. Das geht soweit, dass große Teile bekannter Erzählungen, wie “Das Schweigen der Lämmer“ oder “The Green Mile“ in einzelnen Folgen verarbeitet werden.
Und Sclavi macht kein Geheimnis aus den Werken, die ihn beeinflusst haben. Da wäre in erster Linie David Lynch (insbesondere “Elephant Man”), Todd Brownings “Freaks” und immer wieder Alfred Hitchcock. Geschmeichelt von Umberto Ecos offener Verehrung baut Sclavi auch häufiger Zitate dieses Meisters ein. Dylan selbst ist optisch dem Schauspieler Rupert Everett nachempfunden, sein Name dem Autor Dylan Thomas entliehen, seine Adresse, Craven Road 7, dem Regisseur Wes Craven.

Dylan und Unknown Armies

Doch ungeachtet der brodelnden Zitateküche nehmen Sclavi und seine Zeichner die Gestalt Dylan Dog ernst, auch wenn künstlerische Brechungen und Verfremdungseffekte immer wieder durch die Geschichten mäandern. Und das ist es auch, was die Figur für den Unknown-Armies-Spielleiter interessant macht. Die Geschichten spielen mit Zitaten aus der Horror-Welt und ordnet sie neu und überraschend und durchbricht auch mal die “Vierte Wand”, wenn der Zeichner von Dylans Zombie-Abenteuer selbst in einer Welt von Zombies lebt. Und deshalb ist die Frage nach Realität und Fiktion in den Geschichten mehr als fliessend. Ähnlich wie sein ernsteres Alter-Ego John Constantine lebt er in einem okkulten Untergrund parallel zur normalen Gesellschaft.

2001 brachte der Carlsen-Verlag den Comic in Deutschland auf den Markt. Aufgrund mangelnder Nachfrage stellte er allerdings die Serie nach Band 20 im November 2002 wieder ein. Die Edition Schwarzer Klecks führt die Serie dankenswerterweise seitdem in niedriger Auflage monatlich fort. Da man sich bei dieser Ausgabe auf ein “Best of” beschränkt (wohl leider auch beschränken muß), fehlt eine klare Chronologie.

Optisch halten die wunderschönen Coverillustrationen von Claudio Villa und später Angelo Stano die einzelnen Ausgaben zusammen. Für die amerikanische Version wurde Mike Mignola bemüht. Man findet eine Vielzahl an Autoren und Künstlern, die sich an dem Setting versuchen, ähnlich wie die verschiedensten Regisseure einzelne Episoden einer TV-Serie drehen, mit meist sehr gutem Ergebnis. Die schönsten Geschichten erzählt nach wie vor Tiziano Sclavi selbst, der schließlich einen guten Teil seiner Person auf Dylan projiziert hat.

Dylan abseits des Comics

Es gab Computerspiele (Dylan Dog – The Murderers)  und sogar ein kurzlebiges Rollenspiel (Dylan Dog – Il Gioco dell’Incubo), doch 1994 erschien der großartige Film “Dellamorte Dellamore” mit dem damals nicht allzu bekannten Rupert Everett in der Hauptrolle. Regie führte der gelehrige Argento-Schüler Michele Soavi.

Everett spielt zwar nicht Dylan sondern den Friedhofswärter Francesco Dellamorte, der jedoch im typischen Dylan-Outfit herumläuft und Zombies auf seinem Friedhof durch einen Schuss in den Kopf oder Enthauptung endgültig in das Reich der Toten befördert. Doch dieser Film erzählt dann  nicht mehr und nicht weniger als eine wunderbar unheimlich-erotisch-poetische Geschichte über Liebe, Tod, Sex, Erwachsenwerden, Freundschaft und – last, but not least – dem Ende der Welt, eine Quintessenz aus den Comic-Geschichten.  Die Handlung basiert auf einem Roman von Sclavi, der wiederum aus der Dylan-Geschichte “Orrore nero” entstammt, in der ein Friedhofswärter namens Dellamorte vorkommt.

Zu bemerken bliebt, dass 2010 in den USA eine neue Dylan-Dog-Verfilmung in die Kinos kam. Regie bei DYLAN DOG: DEAD OF NIGHT führt Kevin Munroe (“TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES” und die Hauptrolle spielt Brandon Routh (“SUPERMAN RETURNS”). Anstelle in London lebt Dylan in New Orleans. Der Film wirkt ein bißchen wie “HELLBOY” trifft auf “BUFFY”, was für einen netten Kinoabend o.k. ist, aber leider nicht an die Genialität des Comics heranreicht.

Diese sieht aus wie ihr schwarzhaariger Zwilling, lebt in einer heruntergekommenen Behausung, arbeitet bei einem düsteren Bestattungsunternehmen, wird auf ihrer täglichen Busfahrt von grotesken Personen angegafft und wacht morgens mit blutigen Wunden ohne Erinnerung auf, nur in Gedanken an die Alpträume von einer blonden Frau namens Susan Hamilton, die ihr blonder Zwilling sein könnten.

Kurz gesagt, beide leiden unter Alpträumen, in denen jeweils die andere im Mittelpunkt steht und zudem scheinen sich beide im Visier eines geheimnisvoller Serienmörders, der es auf junge Frauen abgesehen hat, zu befinden. Ist dieser der Schlüssel zu beiden Personen, der das Reale mit dem Fiktiven verbindet? Wer oder was existiert in einer Welt, die nicht das zu sein scheint, was sie vorgibt?

“American Beauty”-Tochter Thora Birch spielt die Doppelrolle in diesem handwerklich solide gemachten britischen Horrorpsychothriller aus dem Jahr 2006. Regiedebütant Ray Gower bezieht seine Inspiration von Genre-Vorbildern wie  „Jacob‘s Ladder“, „Silent Hill“ oder auch „Lost Highway“. Stimmungsvolle Bilder, starke Darstellerleistungen und einige originelle Gore-Effekte unterstreichen den positiven Eindruck eines überdurchschnittlichen Low-Budget-Horrorfilms.

Gower fügt geschickt surreale Szenen in den Verlauf ein, so dass immer wieder makabere Momente daraus resultieren und dank einer passenden Sounduntermalung eine bedrückende Atmosphäre eingefangen wird. Dies betrifft nicht nur die dunkle Ebene, sondern auch das hellere “Realität“ (mit den Ängsten, die mit einer künstliche Befruchtung einhergehen), was schnell zu einigem Befremden führt, wenn der Zuschauer begreift, dass diese Ebenen auch mal ineinander übergreifen können.

Viele Szenen spielen sich wie im Traum ab, weil formale Eigenschaften völlig außer Acht gelassen werden. So rät ein Hypnosetherapeut erst einmal das Symptom der Patientin, bevor die zu Wort kommt, an anderer Stelle steht eine Verstorbene vom Leichentisch auf und diskutiert den Handlungsverlauf, ein blinder Polizeikommissar führt eine Befragung durch und anderswo wird ein Schlüssel erbrochen, der später noch zum Öffnen einer enthüllenden Sache beitragen wird. Viele Personen oder Gegenstände kommen in leicht veränderter Form in beiden Ebenen vor und der Zuschauer rätselt, was Realität sein könnte und was der Alptraum.

Für den Unknown-Armies-Spielleiter ist der Film ein Beispiel dafür, wie man seine Spieler im Ungewissen über die Stabilität von Realität hält. Was passiert, wenn die Charaktere in ihren Träumen unbekannte Personen sehen, die plötzlich auch in ihrer Realität herumlaufen? Ist das, was an Grausamkeiten im Okkulten Untergrund passiert, nicht einfach nur ein Alptraum oder werden die Momente der Realität von irgendwelchen Adepten vorgetäuscht? Hat ein Personomant sich zu tief in eine seiner Persönlichkeiten verloren und kehrt daraus nicht mehr hervor? Hat man sich bei einem Avatar des Händlers die Erinnerung an ein Leben gekauft, das besser als das eigene war? Hat ein Dipsomant einen Dämonen getrunken, dessen Erinnerungen immer wieder an die Oberfläche kommen oder ist man ein Dämon, der die Träume eines Dipsomanten erlebt? All das erkennt man aus den Augenwinkeln schemenhaft in den dunklen Ecken unserer Existenz.

Eintrag in der IMDB.
Eintrag bei Rotten Tomatoes.

Der Schöpfer romantisch-expressionistischer Geschichten in denen teilweise groteske Protagonisten irrwitzige Abenteuer bestehen.

Neben Beetlejuice und Edward mit den Scherenhänden ist dem UA-Fan insbesondere The Big Fish zu empfehlen. Die Verfilmung von Daniel Wallaces Münchhausiade strotzt nur so von surrealen Charakteren und Situationen und ist trotz aller fantastischen Elemente der Realität verhaftet.

Alles Gute zum Geburtstag!

Wer seine ersten Versuche als Sänger ausserhalb eines seiner Filme goutieren möchte, sollte sich den Song “Dark Night of the Soul” vom gleichnamigen Album der Produzenten Dangermouse & Sparklehorse zu Gemüte führen.

Jetzt schiebt der Meister-Regisseur ein ganzes Album nach. “Crazy Clown Time” wird Lynchs Debüt heißen und am 8. November auf Sunday Best Recordings erscheinen.

So richtig typisch Mr. Lynch ist dann auch die B-Seite der bereits erschienen ersten Single “Good Day Today” mit seinem hypnotischen Rhythmus, den psychedelischen Gitarren- und Keyboardklängen und dem seltsamen Gesang, bei dem “Fire Walk With Me” durchgängig hörbar mitschwingt.

Ich freu mich schon mal jetzt auf den November…

Hugo Cabret hat keinen Vater mehr und ist nach dessen tragischem Tod bei seinem Onkel, dem Wächter der Uhren am Pariser Bahnhof, untergekommen. Nach dessen geheimnisvollem Verschwinden erledigt Hugo die Arbeit seines Onkels weiter, um nicht entdeckt und in eine Waisenhaus gesteckt zu werden: Täglich zieht er in den verborgenen Gängen des Bahnhofs die Uhren auf, ölt und pflegt sie, so dass noch niemand bemerkt hat, dass sein Onkel nicht mehr lebt. Das Einzige, was Hugo von seinem Vater geblieben ist ein Automat, eine menschlich aussehende Maschine mit Tausenden von Rädchen, die ein Zeichenbrett und eine Tintenfeder vor sich hat. Doch durch den Brand, bei dem sein Vater umgekommen ist, ist auch der Automat stark beschädigt worden.

Um den Automaten zu reparieren, stiehlt Hugo immer wieder Spielzeugteilchen aus dem Spielwarenladen des Bahnhofs – doch der Besitzer entdeckt ihn dabei und nimmt Hugo dessen Notizbuch weg. Hugos geheimes Leben und das einzige Vermächtnis seines Vaters sind in Gefahr – auch durch Isabelle, die Tochter des Spielwarenhändlers. Sie will Hugo einerseits helfen, das Notizbuch wieder zu bekommen, andererseits will sie jedoch auch etwas über das Geheimnis dieses Buches wissen…

Mechanomantenmagie, ein paar nettes Spezialeffekte und Martin Scorsese als Regisseur lassen Gutes vermuten. Nach dem Buch „Die Entdeckung des Hugo Cabret“  von Brian Selznick.

Der 3D-Film soll in Deutschland am 02.02.2012 starten.